CINE: EL SER QUERIDO

Comencemos por lo evidente. La nueva película de Rodrigo Sorogoyen coincide lo justo justísimo con la muy celebrada Valor sentimental, de Joachim Trier. En caso de incredulidad, proponemos un programa doble, dado que la noruega hace tiempo que está disponible en plataformas. Principalmente, porque de sentimiento no va sobrada la propuesta española.

La trayectoria de Rodrigo Sorogoyen,uno de los cineastas patrios que más nos han de enorgullecer sin discusión, y la de Isabel Peña, su coguionista de cabecera, abarca un arco muy heterogéneo de intereses y de dimensiones artísticas, con la indagación en las relaciones humanas un tanto discordantes como punto en común. Podrían sorprender sus saltos, oscilando entre tesituras vitales extremas con más o menos fanfarria  (Antidisturbios, El reino, Madre, As bestas).o y los  dramas cotidianos de cenagosa hondura (Stockholm, Los años nuevos). 

Así pues, cabe preguntarse qué ha llevado al tándem Peña-Sorogoyen a desarrollar este capítulo arisco de la relación intermitente entre un padre, galardonado director, y su hija mayor, actriz en búsqueda de espacio. En pleno fragor promocional, ellos mismos están dando pistas al respecto y desmintiendo cualquier atisbo biográfico. y, sobre todo, el porqué de su llamativa apuesta por el estilo, no siempre con justificación en trama o lógica interna. Esto ocurre con los planos en blanco y negro, que, a priori pueden introducir segmentos de mayor subjetividad o incluso onirismo (precendentes hay de sobra), pero que terminan siendo de aparición más o menos aleatoria. No sucede igual con la enorme profusión de primeros planos y de movimientos de cámara, claves para presentar esas conversaciones de a dos que sustancian la historia. Llegamos aquí a reflexionar acerca de si se ha primado el ofrecer una clase magistral (en su sentido más amplio) de dirección cinematográfica sobre la creación de conexiones emocionales imprescindibles para compartir y entender qué lleva a los protagonistas a decir y a hacer. Merced a esta voluntad de estilo, entendemos que un mismo nimio suceso puede hacer reir o llorar, o incomodar hasta la molestia física. 

El que el reencuentro paternofilial se desarrolle en el entorno laboral de ambos, y que dicho entorno sea un plató cinematográfico dispara las expectativas, sobradamente colmadas, de asistir a intercambios dialécticos de jugosa enjundia.  Estamos avisados desde la primera secuencia, rodada en clave naturalista y fundamental para descifrar las claves de esa segunda oportunidad que el director consagrado busca para reconducir una primera paternidad presumiblemente temprana, y que coincide con su atrevido debut en la profesión. 

Instalada en la hipérbole la crítica en general, lo cierto es que son pocos todos los elogios al trabajo del dúo protagonista. En un drama de personajes, la elección de interpretes lo es casi todo.  Javier Bardem entrega un personaje algo previsible en lo antipático y en lo egocéntrico que debe ser todo artista,  ambiguo en sus intenciones, y que se va descubriendo en sus debilidades según interacciona con su equipo y, en escasas pero significativas escenas, con su familia, la segunda. Enfrente, Victoria Luengo defiende un rol muy muy complicado. Es la hija primogénita abandonada, que opta por una postura de enfrentamiento y cuestionamiento constante que termina siendo el pilar de la película. En una relación claramente asimétrica en cuanto a éxito vital y profesional, su actitud consciente o no de saldar cuentas en medio de la oportunidad de su vida no va a concitar mucho apoyo en el patio de butacas. Valiente el guion en este sentido. Lamentablemente, este duelo al sol del Sáhara opaca al resto de participantes, merecedores de más líneas y que, en la mayoría de las ocasiones, se limitan a reaccionar a las turbulencias de la espiral Esteban-Emilia.

La reflexión acerca de si la obra artística de creación colectiva necesita en su creación de la tiranía y del abuso ronda en cada movimiento de claqueta.  

 

 Título original: El ser querido.

Año: 2026

País: España

Dirección: Rodrigo Sorogoyen

Guion: Isabel Peña, Rodrigo Sorogoyen

Reparto: Javier Bardem, Victoria Luengo, Raúl Arévalo, Raúl Prieto, Melina Matthews, Marina Fois, Pablo Gómez-Pando,  Miguel Garcés, Mourad Ouani. 

Música: Olivier Arson

Fotografía: Álex de Pablo 

 

 Título original: El ser querido.

Año: 2026

País: España

Dirección: Rodrigo Sorogoyen

Guion: Isabel Peña, Rodrigo Sorogoyen

Reparto: Javier Bardem, Victoria Luengo, Raúl Arévalo, Raúl Prieto, Melina Matthews, Marina Fois, Pablo Gómez-Pando,  Miguel Garcés, Mourad Ouani. 

Música: Olivier Arson

Fotografía: Álex de Pablo 

RAVALEAR: LA ODISEA

Cuando Isaki Lacuesta, por los desgraciados motivos que todos conocemos, no pudo seguir rodando presencialmente Segundo premio, el catalán Pol Rodríguez asumió la dirección de un proyecto tan personal a base de comunicaciones a distancia. Ahora, Isaki e Isabel Campos, tándem indisoluble, le devuelven el favor desarrollando para HBO su particular oda al barrio donde creció Rodríguez y de donde su familia, propietaria de una centenaria casa de comidas, fue expulsada por un fondo de inversión.  El Raval, núcleo irradiador de la barcelonidad y campo de pruebas de cada fenómeno sociológico y urbanístico que ha puesto pie en cada gran urbe europea. Cabe suponer, y así lo asume la lista de las treinta y seis lenguas a las que se ha doblado la serie, rodada en catalán,  que la plataforma ha visto universalidad en el asunto. Lo cierto es que el riesgo y la valentía se palpan desde los títulos de crédito, empezando por su misma existencia. La apuesta por un modo de narrar no convencional va más allá de la cámara en movimiento y el techno omnipresente de Eloi Caballé que son determinantes en cómo vamos asimilando el aluvión de sucesos. La escalada imparable de hostilidades en las que la  familia protagonista se ve metida se nos arroja a la cara con una desmedida tensión narrativa que no toca techo y que termina distrayendo del objetivo inicial de crítica y denuncia. Si logramos acostumbrarnos al sobresalto y esquinamos la gran pregunta de si lograrán salvar o no el restaurante, nos queda lo más interesante de la propuesta. Disfrazada de serie coral, es la crónica de la autodestrucción de un individuo que ya venía con cicatrices, a cambio de la salvación de su comunidad.  El antihéroe de la novela moderna. Un héroe improbable al que Enric Auquer Sardá le da alma, corazón y tripas y que habrá de estar en la terna de galardones de la temporada.  El póster promocional a lo Corre, Lola, corre, sintetiza bien la peripecia.

Rodríguez ejecuta su venganza poniendo en la picota a todos los artífices de la degradación incesante del que fue escenario de su infancia y juventud, asumiendo un punto de vista implacable y agresivo que puede compartirse o no, pero es el suyo, legitimado por su propia experiencia. Desde los planos primeros de las calles del barrio con las largas líneas de ropa tendida que colorean las fachadas que nos transportan a Nápoles, otro ejemplo de cómo elevar lo decadente a pintoresco y a recuerdo instagrameable. El círculo degradación-gentrificación- vuelta a la degradación para más gentrificación seguirá dejando marca en nuestras vidas de ciudadano promedio con aspiraciones. 

No es baladí tampoco la presentación del personaje principal. Álex, trabajador en el puerto de Barcelona y no en cualquier otro anodino lugar, que hace turnos en Can Mosques, el restaurante familiar, y sobrevive sin aparentes necesidades básicas como dormir, a la manera de los torturados protagonistas contemporáneos de las series de éxito. Sí mantiene una relación de pareja y es un padre implicado, lo que le aleja del mencionado estereotipo. La armonía entre la familia que ha construido y la que le vino dada es muy de agradecer y pone de manifiesto el componente humano frente a la robótica y psicopática recua de aspirantes a ejecutivo del año. 

Como corresponde a toda fábula contemporánea que tiene muy clara su moraleja, asisten a la irreflexiva espiral de malas decisiones del héroe improbable un conjunto de caracteres que incitan, colaboran o intentan sabotear su misión final, que va desdibujándose progresivamente, desde la inicial salvación del negocio a la utópìca y envenenada del barrio entero. Esencial es Marta, su pareja, abogada en un despacho de arquitectura y que prende la mecha de la obsesión de Álex, que casi se los lleva por delante. María Rodríguez Soto está fantástica en esta tercera colaboración con Enric, con el que le hemos visto en curiosa alternancia, de matrimonio en Mamífera, de hermanos en Casa en llamas, las dos de 2024, y ahora vuelta a la relación sentimental. Sergi López, exprime el tono siniestro que le dio a conocer en la francesa Harry, un amigo que os quiere, y construye un algo arquetípico pero calculadamente ambiguo administrador inmobiliario que parece competir con Álex en quién cae más bajo. Es su labor contrarrestar el idealismo del joven con punzantes dosis de realismo sociológico. Ese recordatorio al líder de la primera tanda de okupas de sus orígenes pijoprogres es antológico y necesario para el espectador de fuera.  Sus padres, los realmente damnificados, son paradójicamente apartados de las decisiones que buscan la solución a su propio drama. Francesc Orella y Llüisa Castel tardan en darse cuenta de que son una reliquia del pasado. Muy dura de ver la secuencia de los turistas estadounidenses. 

A este respecto, no deja de ser peliagudo el reparto de roles según nacionalidades: los profesionales de la ocupación son locales, los ocupas económicos magrebíes o paquistaníes, los narcos, caribeños. A alguien le tenía que tocar la china. 

Alba Guilera, por su parte, carga con el rol más desagradecido. Es el rostro de la maldad de las grandes corporaciones que coaccionan, expulsan, destruyen en aras de la prosperidad y de la innovación. La sororidad de carcasa que surge entre ella y Marta da para un par de sustanciosas conversaciones. Ha logrado aplacar su humanidad para sobresalir entre los muy masculinos depredadores que la rodean, pero su retrato se queda a medias.  

Algunas tareas post visionado: ¿romantizan el lumpen Rodríguez, Lacuesta y Campos? ¿Se idealiza una manera caduca de construir vínculos con el otro ? ¿Es ravalear una suerte de ser en el mundo? ¿Sigue siendo Lavapiés el barrio más cool del mundo según Time Out?

BOCHORNOS

Es el momento. Una noche bochornosa de calor sofocante, de esas que dicen ahora tropicales. O una noche bochornosa de contemplación de neodebates acerca de si estamos presenciando el catacrok definitivo del planeta y la merecida extinción de sus habitantes. 

Cómo nos gusta (y nos enerva)  una ración de vergüenza ajena. Una lectura comentada de los artículos de M.Rajoy en El debate, una victoria cooperativa de Argentina y el árbitro en el Mundial.  Aquí tienen cincuenta. Una colección de segmentos vitales del más dispar pelaje y delimitados por el momento exacto en el que brota, de la mirada ajena o de la propia, el bochorno, la vergüenza, el oprobio, el sonrojo, el rubor, la turbación y demás equivalentes del tierra trágame, en variadas modalidades: si pestañeas te lo pierdes, sostenido en el tiempo, empeoramiento progresivo, gota malaya y chisporroteo efímero. 

Miniperipecias afines a Poquita fe, Vergüenza o la muy reciente y gozosamente bochornosa The Drama, habitadas por los más variados arquetipos de la fauna humana, si bien ganan en número los pobladores del singular ecosistema denominado "comunidad educativa", en su versión high school (no musical). Sabido es que la etapa escolar adolescente es la peor para todo ser normativo existente y peor aún para los no normativos, cuyas identidades en construcción son curtidas por desabrido profesorado ávido de dejar huella en sus historiales psicológicos.  De esta subvención destaca "Superficialidad", el más extenso de la colección y por ello con más espacio para el perspectivismo. 

La primera grieta por la que se cuela el bochorno puede parecernos que no es para tanto, o sí.  Hablar de uno mismo en tercera persona, como en "Realidad a la carta", el vástago que sale mecánico a la familia de artistas en el relato homónimo, la incomodidad del otro en "Autoayuda". En otras ocasiones, el proceso de abochornaje está sabiamente dosificado, pero nunca explota en estallido, sino que es más bien un brotar leve pero molesto, que puede desvanecerse tal y como ha venido. La vergüenza del hijo que sostiene el matrimonio en "Hambre sagrada", la soberbia intelectual de "La cura", la entrañable vergüenza sentimental de "Angelita", el encontrar defectos a todo en "La turbia". Hay situaciones bochornosas en la esfera pública ("La intensa"), en las amistades turbulentas o decadentes  ("Después de Sonia", "Las distancias"), desdoblamientos poéticos ("La amargada"), recreaciones hipotéticas tipo Los ensayos en "Pan".

En cada comienzo se abre el telón. Son estos inicios modélicos,  esenciales para que un relato corto no descarrile. En cada una de esas cuatro o cinco líneas están plantadas todas las claves de cada historia, que nos remiten eficazmente al momento correspondiente de epifanía del oprobio propio o ajeno, y todo ello hilvanado con una riqueza de vocabulario que no se estila en estos tiempos. Entre lo vintage, lo casual y lo cuartelero.

De todo lo anteriormente descrito y por el equilibrio entre sutileza, tradición y el absurdo costumbrista tan caro a nuestras letras, es inevitable destacar dos relatos: "Diez kilómetros", cuyo destronado protagonista remite inmediatamente a los icónicos perdedores de Los lunes al sol y Full Monty, y el certero y descacharrante "La pata de jamón". 

Bochornos: cincuenta historias bochornosas, de Luis David Álvarez. Ediciones del Genal, 2026. 

CINE: LA LUZ (2026)

 Título original: La luz.

Año: 2026

Duración: 118m.

País: España.

Dirección: Fernando Franco

Guion: Fernando Franco

Reparto: Alberto San Juan, Pedro Casablanc, Miguel Rellán, María Galiana, Luis Callejo, Ramón Barea, Pablo Gómez-Pando, Nacho Sánchez.

Música: Maite Arrotajauregi. 

Fotografía: Santiago Racaj.

Si atendemos a los títulos de la aún corta pero muy sustanciosa filmografía como director del sevillano Fernando Franco (1976), podemos pensar que hay dos opciones: la sombría sin remisión, como La herida, su debut en la dirección Goya incluido de 2013, como Morir (2017), y como Subsuelo (2025);  y la optimista con moderación, como La consagración de la primavera (2022), y esta La luz (2026). Hemos sido engañados. El también prestigioso montajista (ocho nominaciones a los Goya) no da tregua a su espectador. Nunca. Sus propuestas hurgan con ahínco en la devastación moral y emocional, y quizá por eso siempre duran lo justo y necesario, menos mal. 

Esta última propuesta aprovecha el presupuesto más generoso que se ha puesto en sus manos y ha logrado también el estreno en las fechas más adecuadas posibles, visita papal mediante. Algunos se quejarán de oportunismo y otros alabarán la pertinencia. Un rato incómodo, en cualquier caso, destinado a propiciar reflexiones y a procurar toda clase de parabienes a su reparto de relumbrón y, de manera inapelable, al cabeza de cartel, un Alberto San Juan que ha ido encadenando los papeles masculinos más jugosos de cine y televisión desde Balenciaga (Disney + 2024).

Es esta una historia de personaje. El padre Manuel aparece en la primera secuencia arrodillado ante su confesor, el padre Alcalá, un Pedro Casablanc casi tan siniestro como en la muy reivindicable El talento (Polo Menárguez, 2025). Se atisba esa luz tan ambigua del título en forma de examen de conciencia. El pecado cometido es evidente, la penitencia también y seguimos la rutina diaria del trabajador eclesial con cierta parsimonia, acumulando pequeños indicios de lo que va a suceder. Parroquia rural del norte, siendo él del sur, inquietante coincidencia entre las políticas de la Iglesia y las del Estado en cuanto al alejamiento de presos. Feligresas entregadas, jóvenes que echan el rato en la trastienda de la iglesia, WhatsApps y quedada informal con un apuesto peruano. Un momento. Entendemos que Manuel quiere dar un giro a su vida, reinventarse, en la jerga civil, y quiere hacerlo bien. Ese es el pilar del personaje, el que está destinado a evitar que se le eche a los leones desde el principio. Nada que objetar ante un lícito deseo de cambio de vida, puesto que el sacerdocio, al contrario que el sacramento del matrimonio cuya administración les está encomendado, tiene puerta de salida. Divinas contradicciones. 

En los días sucesivos, Manuel comprueba que el pasado, como las materias pendientes de los estudiantes rezagados, no se borra. Las conversaciones sucesivas con nuevos y antiguos estremecen, no por las palabras, sino por las miradas. Es esperable, en nuestra época de pantallas hegemónicas, que muchos espectadores se admiren por primera vez de la contundencia interpretativa de habituales de las tablas teatrales como Font García, Pablo Gómez-Pando y Nacho Sánchez. No los vuelvan a perder de vista.

Sobre la hora y cinco de metraje, la película alza el vuelo definitivamente con el giro que transforma esta figura condenada desde el inicio. Las conversaciones post cine que promete la crítica florecerán seguro en torno a la inmolación poco medida de alguien con el ego lo suficientemente robusto como para pensar que va a controlar el tempo de sus actuaciones y las de los secundarios que han ido apareciendo en su particular trama. Not all Priest, parece que nos dice el contrito y hasta ese momento anestesiado Ramón Barea. Pero qué grima los curas cantantes. El que planea tenebrosamente por esta historia, y el real que indudablemente lo inspira. 

SERIES: EMPATÍA (2025)

 Título original: Empathie

Año: 2025

País: Canadá

Dirección: Guillaume Lonergan

Guion: Florence Longpré

Reparto: Florence Longpré, Thomas Ngijoj, Adrien Bletton, Benoît Briére, Joseé Deschenes.

El endiablado dialecto québécois que pone a prueba a todo estudiante de francés parisino siempre ha tenido sitio en nuestra cartelera. Nombres como Xavier Dolan, dondequiera que esté, Jean Luces Vallée, el primerizo Denis Villeneuve, entre otros, fueron los puntales del desembarco, cristalizado ahora en iniciativas como el Cinequebec de La Rioja. Una región fascinante en pasado y presente, y en la que muchos se miran por su manera de afrontar las divergencias con el Canadá anglófono. 

Al siempre excelente catálogo de series de Movistar y precedida de diversos premios en festivales del gremio, llegó en marzo Empatía, una historia en diez episodios creada y protagonizada por Florence Longpré, conocida por el drama Audrey is revenue. 

Longpré ha reconocido en entrevistas que no buscaba otro drama sino más bien un procedimental del tan en tendencia true crime, pero que su atención se desvió hacia las tragedias íntimas de las personas con las que se documentaba. 

El título, rotundo, rescata un pilar básico de supervivencia en una sociedad cooperativa, arrumbado en estos tiempos por otros más relucientes como "resiliencia". Arg. Pero no estamos ante un relato ni buenista ni complaciente. La protagonista, criminóloga y psiquiatra, deudora sí del arquetipo de investigador torturado, afronta la vuelta al trabajo tras una tragedia incomprensible que termina de desvelarse en el quinto capítulo. Se incorpora a un nuevo puesto en un tan atrayente como hostil, un hospital psiquiátrico. Recordemos el título, esto no es el nido del cuco. La doctora Suzanne Bien-Aimé, apellido que ella no termina de creerse, acarrea una mochila tan pesada como la de cada paciente que deambula por los pasillos de la institución de Montréal. Su primer día, escatológicamente inolvidable, nos presenta a un personaje que sabe o cree saber compartimentar. Otra constante en las ficciones contemporáneas. Su propósito de reconstruir el trato con los pacientes (menos medicación, más escucha), es recibido evidentemente con un recelo que se va diluyendo. 

La estructura narrativa no busca impactar sino reforzar el relato. Sí que es llamativa la manera de comenzar cada capítulo. En cada uno de ellos, al título le falta una letra, que es sustituida por uno de los personajes, y surge una figura humana. Y en cada uno, es uno de los trabajadores o pacientes que rodean a Suzanne el protagonista, siempre con un doble plano: el de su presente en la institución y el del pasado que le ha llevado allí. La intención de ofrecer una panorámica de toda la tipología de enfermos funciona especialmente con dos pacientes antagónicos, el entrañable pirómano y el sociópata seductor. 

Sin embargo, la principal virtud de la historia es la relación compleja y ambigua que nace entre Suzanne y su agente de seguridad Mortimer, encarnado por el monologuista parisino Thomas Ngijoj (los oídos entrenados notarán el contraste) cuya mera presencia sombra de la doctora impide que olvidemos el contexto humano en el que cualquiera puede entrar en ebullición de un segundo a otro.

Mortimer es el reverso de Suzanne. Parece haber logrado lo que ella no ha podido conseguir, el sobreponerse a los palos de la vida. En varias ocasiones reconocen ser los únicos amigos que tiene cada uno, y es realmente interesante contemplar el desarrollo de una amistad profunda hombre-  mujer, aun con sus dudas en la segunda mitad de la serie. 

Que en algunos momentos peque de inocencia no debiera ser obstáculo para que no reservemos un tiempo de calma para adentrarnos en el Mount-Royal, y recuperar una manera de contar pausada pero fluida, sin artificios ni giros sorprendentes de guion cada dos secuencias para ganar la competición al teléfono móvil.

 

ALTAS CAPACIDADES

 

Todo se fastidió cuando los hijos pasaron a ser "proyectos de vida". Una genialidad tuitera que pasó injustamente desapercibida. Siguiendo el argot, la nueva y más accesible película de Víctor García León, coguionista junto a Borja Cobeaga, reabre varios melones y quiere hacer pupa en asuntos trascendentalmente contemporáneos como las nuevas paternidades y la lucha interior casi unamuniana entre el ansia de ascenso social y los valores supuestamente progresistas de buena parte de la población de bien. 

El título mismo, en combinación con el tono de la historia, es de fácil inserción en los descarnados debates pedagógicos e identitarios que se libran en las redes y en los grupos de WhatsApp de madres. O pamadres. Sin embargo, el objeto de las chanzas no es tanto el mantra de mi hijo es especial/todos somos especiales, sino el que un autodiagnóstico de esos tan comunes y tan balsámicos sirve de catalizador para el medrar de los progenitores. 

Los creadores han contado que todo parte de un luctuoso hecho real acaecido en uno de los colegios privados más exclusivos de Pozuelo de Alarcón, una de las tres poblaciones con mayor renta per cápita de España, y la localidad con menor presencia de la educación pública de todo el país, dentro de la comunidad autónoma que mejor practica la segregación educativa. El asesinato de un narcotraficante a la entrada del colegio de su hijo sirve como punto de partida a la peripecia de Alicia y Gonzalo,  una anodina pareja interpretada impecablemente por Marian Álvarez e Israel Elejalde. Su único hijo es gamberrete y exhibicionista. Carece de las hipotéticas características que debería tener un niño así. ¿Seguro? Los espectadores de la EGB alucinarían leyendo sobre las variadas casuísticas que gozan ahora de tan excelsa etiqueta. 

Ella, trabajadora en una revista de moda. Él, trabajador de banca. Epítome perfecta del obrero wannabe que se autopercibe de socioizquierda pero que se avergüenza en secreto de su sitio en esta sociedad neoestamental que se nos está quedando. El caramelo se lo acerca el jefe de Gonzalo, ese sí banquero. Un excelente Juan Diego Botto, últimamente ubicuo en cine, teatro y televisión, como encantador macho alfa hiperconsciente de la importancia de repartir migajas.  Sirviendo a sus propios intereses de conservación de grupo, les entreabre literal y figuradamente la puerta a una vida nueva. Su rictus de conmiseración es idéntico al de la glacial directora del Pyros, una Pilar Castro que humilla con la mirada. 

A partir de este momento, el tono cómico deviene en amargo y observamos la gincana en la que se embarcan Alicia y Gonzalo, que alternan su entusiasmo por el cambio y se van dejando la dignidad y el sistema ideológico por el camino. 

El retrato del ecosistema en el que intentan chapotear, no por previsible es menos certero. El poder sobreestimado del lenguaje ("no nos gusta la palabra superdotado", "mi marido es banquero"), los códigos de vestimenta (a más poder más informalidad), el desprecio disfrazado de educación exquisita, las fachadas familiares, el supremacismo de clase, todo tiene una secuencia.

La sátira, si está bien hecha, duele. Al igual que las comedias costumbristas que han pululado por los teatros españoles durante un siglo y medio, la comicidad reside en un juego de espejos. El espectador se enfrenta con sus propias contradicciones y observa cómo de caricaturizable es su modo de vida. Las ansias aspiracionales de una población asaeteada por las dificultades ordinarias y extraordinarias no van a desaparecer. El mismo guionista reconoce que lleva a sus hijos a un colegio de esos, laico, eso sí. 

En todo caso, siempre proponemos una sesión doble con Torrente, presidente para transitar por los variados vericuetos de la comedia y recuperar la sensación de superioridad moral. Y le ha gustado a Carlos Boyero.

 

Título: Altas capacidades

Año: 2026

País: España

Dirección: Víctor García León

Guion: Víctor García León y Borja Cobeaga

Música: Camila Suárez

Fotografía: Eva Díaz

Reparto: Marián Álvarez, Israel Elejalde, Juan Diego Botto, Natalia Reyes, Pilar Castro, Bea Segura.

SE ACABÓ EL RECREO (para todo el mundo, además)

 

La novela de campus en sus variantes seria y satírica en un género transversal en la narrativa contemporánea. Stoner, El guardián entre el centeno, Todas las almas, Indignación, El secreto, La trama nupcial, Nunca me abandones, Queridos miembros de la junta, son títulos imprescindibles para todos los que han tenido contacto más o menos coyuntural con las generalmente frías aulas universitarias. En el audiovisual, la reciente Caza de Brujas, y la recién estrenada Vladimir, siguen la estela. En los peores tiempos posibles para que los componentes de la academia compartan sus cuitas, esperamos hincarle el diente a La chica más lista que conozco, tercera novela de Sara Barquinero, que opta por la gravedad en un retrato oscuro de las desiguales relaciones que se establecen en tan endogámico macrocosmos. 

En esta ocasión, Darío Ferrari nos sumerge en una telenovelesca panorámica de los tejemanejes cotidianos de la antiquísima Universidad de Pisa, tan querida en el recuerdo de tantos estudiantes Erasmus. Pero no sería merecedora del titulo de fenómeno editorial si en eso se hubiera quedado. Dos son los principales alicientes de esta historia. Muchos son los alicientes de esta historia, construida a base de capas de complejidad humana y aderezada con un ritmo agilísimo y un insuperable sardonismo. Mérito en parte de la extraordinaria traducción de Carlos Gumpert, al que el autor regala un cameo en las páginas finales, en un curioso ejercicio metanovelesco. 

En primer lugar, conocemos a Marcello, un estudiante digamos talludito que se lanza al doctorado como medio de seguir trampeando a la vida. Los conocedores o sufridores del proceso en esta nuestra querida patria se sorprenderán o carcajearán, pero es que en Italia, todos los doctorandos cobran un salario. El camino de Marcello desde que toma la decisión hasta que consigue unirse a la tropa de promesas de la filología italiana está lleno de eventos de esos que llevan a la estupefacción desde fuera y a la destrucción de la salud mental si uno está dentro.

En segundo lugar, el retrato del entorno de Marcello, fruto de la universalmente conocida familia italiana. La novela de campus rota aquí hacia la novela de formación de un grupo de amigos de la generación de los dos mil, que ejemplifican a la perfección aquello de que a mi edad, mis padres tenían casa, trabajo indefinido, coche y dos criaturas. 

El tercer nivel es el más interesante. El director de tesis de Marcello (todo doctorando sabe perfectamente todo lo que conlleva ese título cuasi nobiliario), le propone/impone la investigación sobre un hermético autor de los setenta, encarcelado por terrorismo y autor de una única obra desaparecida, La estantigua. El paralelismo de ambas trayectorias vitales es evidente. La tercera parte de la novela, llamada como la obra objeto de la tesis, que Marcello va a buscar a los altos fondos bibliográficos de París, deja casi de lado la sorna y aborda temas de gran calado en cuanto a sistemas ideológicos individuales y su proyección en la Historia nacional. Pero no hay peligro de trascendencia excesiva. Los vaivenes amorosos y desventuras parisinas varias de Marcello rebajan la progresiva seriedad de los acontecimientos que propician el nacimiento, desarrollo y caída de la figura de Tito Sella. 

La desesperación existencial de Marcello es gemela de la de Tito, pero cada cual es hijo de su tiempo, y el nuestro no es el de las revoluciones juveniles. 

Se acabó el recreo (La ricreazione è finita),  de Darío Ferrari y Carlos Gumpert(traducción). 2025. Ediciones del Asteroide, n.337. 400págs.